Año de producción: 1922
Director: Friedrich W. Murnau
Productor: Albin Grau, Enrico Dieckmann
Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf
Música: Hans Erdmann
Guión: Friedrich Wilhelm Murnau, Henrik Galeen Novela: Bram Stocker
Intérpretes: Gustav von Wangenheim, Greta Schröder, Max Schreck, Alexander Granach, Georg H. Schnell, Ruth Landshoff, Gustav Botz, Max Nemetz, Wofgang Heinz.
Comentarios: Monumental obra del cine, todo amante del séptimo arte debería tenerla en su videoteca. Encima, para más ¨inri¨, parece ser que la propia película en sí y su realización están envueltas en una aureola de misterio: nadie sabe a día de hoy quién fue el actor protagonista ni qué se hizo de él con posterioridad a la producción del film. La tierra se lo tragó. Es la mejor adaptación, sin duda alguna, de la novela de Bram Stocker. Todo aquél que se la haya leído lo sabe. Y la mejor caracterización del conde Drácula de toda la historia del cine (con permiso del señor Christopher Lee). La caracterización que más se acerca al personaje retratado en la novela es este Conde Orlock de Murnau.
(Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens)
Hutter trabaja para Herr Knock, un agente inmobiliario que le informa del deseo del Conde Orlok, de Transilvania, de comprar una casa amplia y solitaria en Wisborg, por la que está dispuesto a pagar una importante suma de dinero, conminando a Hutter a que le consiga la vivienda que está frente a la propia casa de los Hutter, ordenándole que parta de viaje hacia las montañas de Transilvania, en los Montes Cárpatos, para ultimar el negocio. Tras emprender su largo viaje llega finalmente a los Montes Cárpatos, hospedándose en una posada para descansar, observando que, con solo pronunciar el nombre de Orlok todos le miran asustados y le dicen que no debe seguir su camino, pues el hombre lobo ronda por el bosque.
Fuente:https://es.wikipedia.org/wiki/Nosferatu,_eine_Symphonie_des_Grauens).
Año de producción: 1924
Director: Yacov Protazanov
Productor: Yacov Protazanov
Fotografía: Yuri Zhelyabuzhsky
Música: No acreditada
Guión: Fedor Ocep, Alexei Faiko Novela: Alexei Tolstoi
Intérpretes: Igor Ilinsky, Yulia Solntseva, Nikolai Tseretelli, Nikolia Batalov, Vera Orlova, Valentina Kuinzhi, Pavel Pol, Nadia Tretyakova.
Comentarios: Una ruidosa publicidad y grandilocuentes entrevistas concedidas por los autores a los medios de comunicación, preceden al estreno de la película el 25 de septiembre de 1924. A pesar de las reservas de la crítica, que acusa al film de frialdad y eclecticismo, el público acude masivamente a verla. La repercusión en su país se extiende al extranjero, en donde va a convertirse en la película más conocida del nuevo cine soviético hasta ese momento.
Fuente de la documentación:
Ruiz Alvarez, Luis Enrique (1997): Obras maestras del cine mudo. Época Dorada, 1918-1930. Ediciones Mensajero. Bilbao. ISBN 84-271-2088-5.
La historia trata sobre un joven, Los (en ruso, literalmente, alce), que viaja al planeta Marte en un cohete, donde llega para dirigir un levantamiento popular contra el rey, con el apoyo de la reina Aelita, que se ha enamorado de él después de verlo a través de un telescopio.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Aelita
Año de realización: 1960
Director: Georges Franju
Productor: Jules Borkon
Fotografía: Eugen Schüfftan
Música: Maurice Jarre
Guión: Claude Sautet, Pierre Boileau, Thomas Narcejac, Pierre Gascar. Novela: Jean Redon
Intérpretes: Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Mayniel, Alexandre Rignault, Béatrice Altariba, Charles Blavette, Edith Scob, Claude Brasseur, Michel Etcheverry.
Comentarios: Escalofriante y al mismo tiempo poética y emotiva, sus escenas de cirugía facial tan explícitas parece ser que dieron de qué hablar en la época de su estreno. Es una de las grandes del cine fantástico clásico europeo, a pesar de que viene de una cinematografía como la francesa poco prolífica en el género por aquellos años. Su estreno causó, pues, mcuha controversia. Fue de una influencia muy notable en otros cineastas (Isidoro M. Ferry en La cara del terror, de 1962; John Carpenter para la máscara de su Michael Mayers en La noche de Halloween; o más recientemente Pedro Almodóvar y su La piel que habito, entre otros).
(Les yeux sans visage)
Versión Original Subtitulada al Español
Un eminente cirujano (Génessier) dicta una conferencia sobre los injertos de piel. Mientras el doctor ofrece su conferencia, en las afueras de París, una mujer arroja un cadáver al río. El Dr. Génessier identifica el cuerpo como el de su hija Christiane, que fue reportada como desaparecida después de que un accidente automovilístico le desfigurara el rostro.
En realidad, Christiane aún vive en la mansión del Dr. Génessier, junto a su clínica privada, custodiada por pastores alemanes y otros perros grandes. El cuerpo (del que se deshizo su asistente Louise) pertenece a una mujer joven a la que el Dr. Génessier le quitó la piel del rostro e intentó injertarla en el de su hija sin éxito. Tras varios intentos más de injerto, la operación del doctor sobre su hija parece tener éxito. Sin embargo, al poco tiempo la piel se torna necrosa.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Les_yeux_sans_visage
Año de realización: 1955
Director: Henri-Georges Clouzot
Productor: Henri-Geogres Clouzot
Fotografía: Armand Thirard
Música: Georges van Parys
Guión: Henri-Georges Clouzot, Jérôme Géronimi
Novela: Pierre Boileau, Thomas Narcejac
Intérpretes: Véra Clouzot, Simone Signoret, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Thérèse Dorny, Michel Serrault, Georges Chamarat.
Comentarios: Un montón de veces he visto la película a pesar de saber ya toda la historia y el final, más que nada por el magnífico clímax y todo el ambiente tan asfixiante y de desasosiego que presenta, con ese colegio de aspecto decimonónico, esa piscina, ese baúl grande de mimbre, la escena en la funeraria cuando va a reconocer el cadáver, el detective que parece cualquier cosa menos un detective... Sin una sola nota de música en toda la película, sólo se oyen algunos chirridos de alguna puerta hacia el final. Estupendo ejercicio de suspense cinematográfico. Antológica e inolvidable de verdad.
(Les Diaboliques)
Un internado en el área metropolitana de París, está dirigido por el tiránico y cruel Michel Delassalle. Sin embargo, la escuela es propiedad de la esposa maestra de Delassalle, la frágil Christina, una emigrada de Venezuela. Michel también tiene una relación extramatrimonial con Nicole Horner, otra profesora de la escuela. Más que antagonismo, las dos mujeres tienen una relación algo cercana, basada aparentemente en su odio mutuo hacia Michel, el cual es cruel con los estudiantes, golpea a Nicole y se burla de Christina por su problema cardíaco.
Incapaz de soportar más sus malos tratos, Nicole idea un plan para deshacerse de Michel para siempre. Aunque al principio duda, Christina finalmente acepta ayudar a Nicole.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Las_diab%C3%B3licas
Año de realización: 1926
Director: Fritz Lang
Productor: Erich Pommer
Fotografía: Karl Freund, Günter Rittau, Walter Ruttmann
Música: Gottfried Huppertz, sobre temas de Richard Wagner, Franz Liszt, Pyotr Tchaikovski.
Guión: Thea von Harbou, Fritz Lang. Novela: Thea von Harbou
Intérpretes: Alfred Abel, Brigitte Helm , Gustav Frölich, Rudolph Klein-Rogge, Frtiz Rasp, Theodor Loos, Erwing Biswanger, Heinrich George, Olaf Stom, Hanns Leo Reich.
Comentarios: La visita que en octubre de 1924 realiza Fritz Lang a Nueva York y la impresión que le produce la visión de los grandes rascacielos de Manhattan van a condicionar absolutamente la línea estética de esta obra maestra del periodo silente. Técnicamente nos encontramos ante una de las obras más notables realizadas hasta el momento. Como curiosidad indicar que gracias al empleo del llamado Proceso Schüfftan, que consiste en sustituir parte del decorado por imágenes de miniaturas convenientemente reflejadas sobre él mediante un espejo, se consigue abaratar costes, por lo que en un futuro el invento dará a su creador fama y dinero.
La visión futurista que el film nos ofrece permanece inalterada por el paso del tiempo y va a marcar indefectiblemente a los muchos realizadores que aborden el género en el futuro.
Fuente de la documentación: Ruiz Alvarez, L.Enrique (1997): Obras maestras del cine mudo. Época dorada, 1918-1930. Ediciones Mensajero. Bilbao. ISBN 84-271-2088-5.
(Metrópolis)
Siglo XXI. En la ciudad de Metrópolis comienza el turno de trabajo para los obreros en las entrañas de la tierra. En el paradisíaco jardín de la superficie se divierten los privilegiados. Uno de ellos, Freder, el hijo del amo de la ciudad, ve casualmente a María, hija de un obrero, que enseña el parque a unos niños. Prendado de ella, Freder la sigue, adentrándose en las entrañas de la tierra, en el mundo de las máquinas. Allí presencia un horrible accidente y queda tan impresionado que, tras contárselo a su padre, el todopoderoso John Fredersen, se emplea como un obrero más.
Fuente: Ruiz Alvarez, L.Enrique (1997): Obras maestras del cine mudo. Época dorada, 1918-1930. Ediciones Mensajero. Bilbao. ISBN 84-271-2088-5.
https://www.classicofilm.com/2019/03/el-septimo-sello-1957-mkv.html
Año de realización: 1956
Director: Ingmar Bergman
Productor: Allan Ekelund
Fotografía: Gunnar Fischer
Música: Erik Nordgren, Joâo McDowell
Guión: Ingmar Bergman
Intérpretes: Max von Sydow, Bibi Andersson, Gunnar Björnstrand, Bengt Ekerot, Nils Poppe, Inga Gill, Gunnel Lindblom,Åke Fridell, Maud Hansson, Inga Landgré
Comentarios: Puede que sorprenda ver a El Séptimo Sello aquí, pero su temática filosófico-metafísica, y su sentido entre lo onírico y lo real, y la personificación de la muerte, me ha decidido incluirla y destacarla.
Bergman desarrolló la trama de la película basándose en una pieza teatral suya titulada Pintura sobre tabla. El título hace referencia a un pasaje tomado del libro del Apocalipsis, que se utiliza tanto al principio como al final del filme. La película empieza con las siguientes palabras: «Y cuando el Cordero rompió el séptimo sello del rollo, hubo silencio en el cielo durante una media hora». (Ap 8:1) Aquí, la frase «silencio en el cielo» hace alusión al silencio de Dios, tema principal de la película.
La película es considerada un gran clásico del cine universal. Ayudó a Bergman a establecerse como un director de renombre; además, contiene escenas que se han convertido en icónicas debido a que han sido parodiadas u homenajeadas a lo largo del tiempo. La revista jesuítica America atribuye a esta película el mérito de haber iniciado «una serie de siete filmes que exploraron la posibilidad de la fe en la era post-Holocausto, la era nuclear».[5] Igualmente, los historiadores del cine Thomas W. Bohn y Richard L. Stromgren atribuyen a este filme haber iniciado «su círculo de películas que tratan con dilema el tema de la fe religiosa». (Fuente de la documentación: https://es.wikipedia.org/wiki/El_s%C3%A9ptimo_sello).
(Det Sjunde Inseglet)
Ambientada en la Europa medieval durante la peste negra, relata el viaje de un caballero cruzado y el desarrollo de una partida de ajedrez que él juega con la Muerte que ha venido a tomar su alma.
La película se desarrolla a la vez en dos planos, el real y el alegórico, en los que se produce la lucha del caballero con la Muerte. Comienza con un amanecer en la playa (un movimiento de casilla negra a casilla blanca). Antonius Block, un caballero cruzado, regresa con su escudero Jöns a su pueblo natal, en Suecia, después de diez años de ausencia combatiendo en las Cruzadas. Está profundamente desengañado y ha perdido la fe. Se encuentra con una comarca diezmada por la peste. La figura de la Muerte aparece para reclamar su vida. Antonius decide retar a la Muerte a una partida de ajedrez y, con ello, ganar tiempo para así encontrar un último acto cuya ejecución le dé finalmente sentido a su vida.
Fuente : https://es.wikipedia.org/wiki/El_s%C3%A9ptimo_sello
https://m.ok.ru/video/4403101501976
Año de realización: 1981
Director: Andrzej Zulawski
Productor: Marie-Laure Reyre
Fotografía: Bruno Nuytten
Guión: Andrzej Zulawski, Frederic Tuten
Intérpretes: Isabelle Adjani, Sam Neill, Margit Carstensen, Heinz Bennent, Carl Duering, Johanna Hofer, Shuan Lawton, Michael Hogben.
Cometarios: La posesión fue incluida también por la censura británica en la lista de video nasties, en defensa de la moralidad, en las décadas de los '70 y '80. Pero, como dicen algunos críticos, estilística y temáticamente se encuentra muy alejada del cine de género de bajo presupuesto al que pertenecían la mayoría de producciones que entraron en la lista. Uno de los elementos más recordados de La Posesión es la intensidad aportada por la pareja protagonista. De él vemos como de manera excepcional evoluciona su personaje paulatinamente hacia la degradación psicológica. Por su parte, Isabelle Adjani protagoniza las escenas más impresionantes, como por ejemplo la secuencia en el metro. Zulawski, con la intención de que se desmorone la idealización del personaje masculino, le otorga además un doble papel a la mujer.
Isabelle Adjani ganó el premio a la mejor interpretación femenina en los premios César de la Academia Francesa y en el Festival de Cannes, un certamen donde el film estuvo a punto de alzarse con la codiciada Palma de Oro.
Como secundarios encontramos algunos rostros populares del cine alemán del momento, como Margit Carstensen, Heinz Bennent y Carl Duering. Respecto al equipo artístico, el monstruo que aparece en una de las secuencias más recordadas y memorables está realizado por el mago italiano de los efectos especiales Carlo Rambaldi, partícipe también en una película del gran director italiano Mario Bava, Bahía de Sangre (1971) que también fue censurada y declarada video nasty por la censura británica.
Fuente de la documentación:
Rodríguez Sanchez, Daniel (2021): Videonasties, Memorias de un cine prohibido. Applehead Team Creaciones. ISBN 978-84-122889-8-8.
(Possession)
Berlín, antes de la caída del muro. Cuando Marc regresa de un viaje encuentra a su esposa Anna cambiada, muy nerviosa y perturbada. Por fin, le confiesa que tiene una aventura y lo abandona. Marc cae en una terrible depresión que lo lleva casi al borde de la locura. Poco después Marc se entera de que su mujer también ha abandonado a su amante, y la verdad sobre la aventura secreta de Anna se revelará monstruosa.
(Fuente: https://www.filmaffinity.com/es/film713191.html)
Año de producción: 1919
Director: Robert Wiene
Productor: Rudolf Meinert, Erich Pommer
Fotografía: Willy Hemeister
Música: Giuseppe Becce
Guion: Hans Janowitz, Carl Mayer
Intérpretes: Werner Kraus, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Hans Heinrich vonTwardowski, Rudolf Lettinger, Rudolf Klein-Rogge.
Comentarios: Considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán, cuenta la historia de un loco hipnotista (Werner Krauss) que usa a un sonámbulo (Conrad Veidt) para cometer asesinatos. El filme tiene un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y curvas, estructuras y ambientes que se inclinan y giran en ángulos inusuales, y sombras y rayas de luz pintadas directamente en los sets.
El gabinete del doctor Caligari fue lanzada justo cuando las industrias cinematográficas foráneas estaban aligerando las restricciones en la importación de filmes alemanes después de la Primera Guerra Mundial, así que fue proyectada internacionalmente. Las cuentas difieren sobre el éxito financiero y de la crítica en su estreno, pero críticos de cine modernos e historiadores la han alabado como un filme revolucionario. El crítico Roger Ebert la llamó posiblemente "el primer verdadero filme de terror", y el crítico Danny Peary la llamó el primer filme de culto y un precursor del cine de arte. Considerada un clásico, ayudó a llamar la atención mundial hacia el mérito artístico del cine alemán y tuvo una gran influencia en filmes estadounidenses, particularmente en los géneros de terror y cine negro, introduciendo técnicas como el giro argumental y el narrador no fiable al lenguaje de la narrativa cinematográfica.
Fuente de la documentación:
https://es.wikipedia.org/wiki/El_gabinete_del_doctor_Caligari.
(Das Cabinet des Dr. Caligari)
Muda con Subtítulos en castellano
Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.
(Documentación: https://www.filmaffinity.com/es/film446167.html)
Año de realización: 1972
Director: Andrei Tarkovski
Productor: Viacheslav Tarasov
Fotografía: Vadim Yusov
Música: Eduard Artemiev
Guion: Andrei Tarkovski, Fridrikh Gorenshtein, Novela: Stanislaw Lem
Intérpretes: Donatas Banionis, Natalya Bondarchuk, Jari Järvet, Vladislav Dvorzhetsky, Nikolay Grinko, Anatoli Solonitsyn, Olga Barnet, Olga Kizilova.
Comentarios: Fue dirigida y coescrita por Andréi Tarkovski uno de los directores soviéticos más famosos y aclamados por la crítica internacional.
La película es un drama psicológico meditativo que ocurre principalmente a bordo de una estación espacial que orbita el planeta ficticio Solaris. La misión científica se ha estancado porque la mínima tripulación de tres científicos ha caído en crisis emocionales separadas. El psicólogo Kris Kelvin viaja hasta la estación para evaluar la situación aunque deberá enfrentarse con los mismos misteriosos fenómenos como los demás.
Fiel a la narrativa compleja y lenta de la novela, Tarkovski quería aportar una nueva profundidad emocional e intelectual al género, viendo la mayor parte de la ciencia ficción occidental como superficial. Las ideas que Tarkovski trató de expresar en esta película las desarrollaría aún más en su película Stalker (1979).
No es, por tanto, una película apta para cualquier público, y menos aún para aquellos espectadores acostumbrados a lo puramente comercial, y, tal como opinaba Tarkovski, a lo superficial sin más, es decir, para todo aquél que pasa olímpicamente de comerse los sesos demasiado.
Así pues, el cuidado por los diferentes aspectos de la película y la búsqueda de diferentes lecturas se mostró en detalles como que la banda sonora es de música electrónica, compuesta por Eduard Artémiev y que incluye composiciones de Johann Sebastian Bach, o que en un compartimento del centro de investigación de la estación espacial hay reproducciones de varias pinturas de Pieter Brueghel el Viejo: Los cazadores en la nieve (o Invierno), Día triste, La siega del heno y El regreso de la manada de la serie Estaciones y Paisaje con la caída de Ícaro.
Documentación extraía de:
https://es.wikipedia.org/wiki/Solaris_(pel%C3%ADcula_de_1972)
(Solyaris)
Chris Kelvin se dirige a una estación espacial que lleva más de cien años orbitando el planeta Solaris con el objetivo de evaluar su utilidad. Una vez allí, es víctima de un extraño fenómeno en el que los recuerdos aparecen en forma física, unos hechos que escapan a toda lógica. preludiados por el suicidio del doctor Gybarian, y que culminan con la aparición de Khari, su esposa ya fallecida.
Año de realización: 1979
Director: Andrei Tarkovski
Productor: Aleksandra Demodiva
Fotografía: Aleksandr Knyazhinsky
Música: Eduard Artemiev
Guion: Arakadiy Strugatski, Boris Strugatsky, Andrei Tarkovski
Novela: Arakadiy Strugatski, Boris Strugatsky
Intérpretes: Alisa Freyndlikh, Aleksandr Kaidanovskiy, Anatoly Solonitsyn, Nikolay Grinko, Natasha Abramova, Faime Jurno, E.Kostin, Sergei Yakovlev.
Comentarios: La mayor parte de Stalker está filmada en color, pero otra parte está también filmada en sepia. Desde que la película comienza hasta que llegan a la Zona está en sepia. Luego está en color durante toda la estadía en la zona, exceptuando ciertos momentos específicos, como cuando el perro que se va de la Zona junto a ellos aparece o cuando se lee con la voz en off de la esposa un poema, justo cuando los tres están tirados, como durmiendo pero conversan entre sí.
La película es reconocida internacionalmente por las imágenes poéticas que se muestran durante su transcurso, entre las que se destaca la que se muestra el humus moviéndose como si fuera el mar. Buena parte del material rodado se perdió por accidente, por lo que debió filmarse de nuevo con un presupuesto muy ajustado. Problemas imprevistos que no enturbian para nada la que se considera por muchos críticos como una de las más fascinantes obras maestras ofrecidas por el séptimo arte.
La película fue rodada en la ciudad de Tallin, capital de Estonia, y sus alrededores., aunque en un principio se pensó hacer el rodaje en el desierto de Tadyikistán, pero debido a los continuos temblores de tierra que se registraron continuamente en ese país, Tarkovski y todo el equipo de producción tuvieron que cambiar de planes.
(Fuente de la documentación: https://es.wikipedia.org/wiki/Stalker).
(Stalker)
Versión Original Subtitulada en Español
En un país no determinado, un Stalker conduce a un escritor en busca de inspiración y a un científico a la Zona, misterioso lugar inaccesible donde presumiblemente los sueños del individuo pueden cumplirse. Corría el rumor, entre otras cosas, de que había caído un meteorito o había habitado en el lugar una civilización extraterrestre. La zona fue evacuada, cerrada y se encuentra resguardada continuamente por un fuerte cerco militar. Todo esto porque la mayoría de las personas que entraba a la zona no regresaba nunca. Sin embargo, algunas personas, los stalkers, se dedicaban a llevar gente a la zona, en su mayoría, gente desesperada.
Año de realización: 1931
Director: Fritz Lang
Productor: Seymour Nebenzal
Fotografía: Fritz Arno Wagner
Música: Edvar Grieg
Guion: Thea von Harbou
Intérpretes: Peter Lorre, Ellen Widmann, Inge Landgut, Otto Wernicke, Theodor Loos, Gustaf Gründgens, Friedrich Gnab, Fritz Odemar, Paul Kemp.
Comentarios: Está parcialmente inspirada en el caso real del asesino serial Peter Kürten, quien mató a varios niños en la ciudad de Düsseldorf. Es ampliamente considerada como un clásico de la cinematografía mundial y una obra maestra de su director, siendo esta su primera película sonora. Fue asimismo la penúltima película de Lang dirigida en Alemania, y el realizador siempre la consideró su mejor trabajo allí.
La película constituye un ejemplo temprano de drama procedimental, y se centra en la búsqueda de Beckert llevada a cabo tanto por la policía como por el crimen organizado. El guion de la película fue escrito por Lang y su esposa Thea von Harbou. Presenta muchas innovaciones cinematográficas, incluyendo el uso de planos largos. M fue una de las primeras películas en emplear fuertemente un leitmotiv musical en forma de «En la gruta del rey de la montaña», que es silbado repetidamente por el personaje de Lorre.
Se la suele considerar siempre como un film de terror, al tratarse del retrato de un psicópata asesino de niños, y por el hecho de que este tipo de personajes se han encuadrado siempre dentro del género, sobre todo desde el éxito de La noche de Halloween (1978), pero no se trata específicamente de una película de terror propiamente, más bien entra dentro del lenguaje cinematográfico propio del cine negro clásico y sus parámetros.
(M)
Versión Original Subtitulada en Español
Un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad de Düsseldorf. La policía lo busca frenética y desesperadamente, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa. Por su parte, los jefes del hampa, furiosos por las redadas que están sufriendo por culpa del asesino, deciden buscarlo ellos mismos y lincharlo.
Año de realización: 1967
Director: Giorgi Kropachyov, , Konstantiv Yershov.
Productor: Vitlay Krivonoshchenko
Fotografía: Viktor Pishchalnikov
Música: Karen Klachaturyan
Guion: Georgi Kropachyov Relato original: Nikolai Gogol
Intérpretes: Leonid Kuravlyov, Natalya Varley, Aleksei Glazyrin, Nilolai Kutuzov, Vadim Zakharchenko, Pyotr Vesklyarov, Vladimir Salnikov.
Comentarios: Una película que se mantiene bastante fiel al texto que adapta del gran escritor ruso Nikolai Gogol. La cinematografía rusa, que es muy prolífica en cine de terror, sin embargo, nos ofrece aquí una obra digna de admiración con una impresionante escenografía y diseño de producción. Es una obra que necesita de una urgente revisión y ser descubierta, como casi todo el cine fantástico proveniente de los países del Este de Europa. La película fue distribuida por Mosfilm, y fue la primera película de terror de la época soviética oficialmente rodada y estrenada en la URSS.
Las escenas con la bruja en la capilla y la aparición final de la barahúnda infernal y el Viy, destacan por sus efectos especiales prácticos. Los directores pudieron evitar las restricciones al tema, despreciado por el realismo soviético, utilizando lo que se consideraba un "cuento popular".
La dirección corrió a cargo de dos jóvenes noveles recién graduados en cinematografía, supervisados por el técnico en efectos especiales Alexandr Ptouchko.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Viy_(pel%C3%ADcula_de_1967)
Versión Original Subtitulada en Inglés y Español
Jomá Brut, un filósofo, seminarista, accidentalmente asesina a una anciana que resulta ser una bruja, y luego será forzado a pasar tres noches velando su cadáver en una iglesia, defendiéndose de sus ataques sobrenaturales y los demonios que ella invoca, hasta que finalmente convoca al temible monstruo Viy, enfrentándose a sus propios miedos y la fe contra la oscuridad.
https://m.ok.ru/video/3998159538873
Año de realización: 1965
Director: Wojciech J. Has
Productor: Kamera Film Unit
Fotografía: Mieczyslaw Jahoda
Música: Krzysztof Penderecki
Guion: Tadeusz Kwiatkowski Novela: Jan Potocki
Intérpretes: Zbigniew Cybulski, Iga Cembrzynska, Elzbieta Czyzewska, Gustaw Holoubek, Stanislaw Igar, Joanna Jedryka, Janusz Klosinski.
Comentarios: Adaptada de una importante obra de la literatura polaca, es una película imprescindible y de gran importancia dentro del cine fantástico europeo.
Siguiendo al crítico y escritor Carlos Aguilar, "se trata de una especie de caja japonesa, repleta de recovecos y subdivisiones, una serie de historias concéntricas, fantásticas y picarescas, que parten desde el momento en que el protagonista es seducido por dos bellísimas hermanas moras en la España de Felipe V. Merece la fama que acarrea sin discusión alguna, su combinación de onirismo, humor, fantasía y erotismo no conoce parangón".
Fuente de la información:
Aguilar, Carlos (2004): Guía del Cine. pp. 980. Cátedra. Col. Signo e Imagen. Madrid. ISBN 978-84-376-2871--4.
Indiscutiblemente sorprende la valentía y audacia del realizador con esta compleja obra, y más viniendo de una cinematografía como es la polaca, y la época en que fue realizada.
(Rękopis znaleziony w Saragossie)
Narra el laberíntinto viaje del joven capitán español Alfonso van Worden por Sierra Morena durante las guerras napoleónicas, donde se topa con posadas encantadas, dos hermosas princesas moras y una serie de relatos fantásticos, misteriosos y esotéricos que se entrelazan, revelando una estructura narrativa de historias dentro de historias sobre la ilusión, el destino y la realidad, lleno de alquimistas, demonios y gitanos en un viaje alucinante que desafía la lógica y la linealidad temporal.
https://m.ok.ru/video/1091840313870
Año de realización: 1922
Dirección: Benjamin Christensen
Producción: Aljosha Production Company / Svensk Filmindustri
Fotografía: Johan Ankerstjerne
Música: Launy Grøndahl (1922), Emil Reesen (versión de 1941)
Guion: Benjamin Christensen
Intérpretes: Benjamin Christensen, Maren Pedersen, Clara Pontoppidan, Oscar Stribolt, Astrid Holm, John Andersen, Tora Teje, Kate Fabian.
Comentarios: Escrita y dirigida por Benjamin Christensen, el estilo documental de la película está dramatizado con secuencias de terror. Basado en parte en el estudio de Christensen del Malleus maleficarum, una guía alemana del siglo XV para los inquisidores, Häxan es un estudio de cómo la superstición y la incomprensión de las enfermedades mentales podrían conducir a la histeria de la caza de brujas.
Con la meticulosa recreación de Christensen de escenas medievales y el largo período de producción, Häxan fue la película muda escandinava más cara jamás realizada, con un costo de casi dos millones de coronas suecas. Aunque ganó elogios en Dinamarca y Suecia, la película fue prohibida en los Estados Unidos y fuertemente censurada en otros países por lo que se consideraba en ese momento representaciones gráficas de tortura, desnudez y perversión sexual.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A4xan
"La gran variedad de trucajes, unos cuidados encuadres y una perfecta iluminación confieren a la película una perfección técnica poco común, y las múltiples referencias pictóricas (Durero, El Bosco, Breughel, Goya) le otorgan el sentido plástico preciso".
"El film es acusado además de anticlerical y provoca diversas protestas entre grupos conservadores. Todo esto no evitará que la influencia de Häxan en la cinematografía mundial sea enorme"
Fuente de la documentación:
Ruiz Alvarez, Luis Enrique (1997): Obras maestras del cine mudo. Época dorada (1918-1930). pp. 110-111. Ed. Mensajero. Bilbao. ISBN 84-271-2088-5.
(Häxan)
Muda con subtítulos en Español
Formalmente, Häxan se encuentra dividida en siete capítulos, pero predomina el separado en cuatro partes temáticas.
Parte I: Una disertación académica sobre las apariciones de demonios y brujas en la cultura primitiva y medieval, acompañado de una serie de fotografías de estatuas, pinturas y grabados en madera que se utilizan como piezas demostrativas; Parte II: Una serie de viñetas que demuestran teatralmente la superstición y las creencias medievales sobre la brujería, con la inclusión de Satanás (interpretado por el propio Christensen); Parte III: Una larga narración dividida en varias partes. Ambientada en la Edad Media, se trata de una anciana acusada de brujería por la familia de un moribundo. La narración se utiliza para demostrar el trato de las autoridades religiosas de la época a las presuntas brujas; Parte IV: La parte final de la película busca demostrar cómo las supersticiones de antaño se entienden mejor ahora. Christensen busca hacer la afirmación de que la mayoría de los acusados de brujería posiblemente eran enfermos mentales.
Fuente : https://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A4xan
Año de realización: 1932
Dirección: Carl Theodor Dreyer
Producción: Tobis Filmkunst
Fotografía: Rudolph Maté
Música: Wolfgang Zeller
Guion: Christen Jul, Carl Theodor Dreyer
Novela: Joseph Sheridan Le Fanu
Intérpretes: Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schmitz, Jan Hieronimko, Henriette Gérard, Albert Bras, Jane Mora.
Comentarios: En esta película el gran director danés Carl Theodor Dreyer nos introduce en un universo fantasmagórico por medio de imágenes expresionistas. Un joven viajero, Allan Gray, se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera densa y enrarecida recuerda la de las pesadillas. El joven comienza a tener espeluznantes visiones, de las cuales la más terrible es el descubrimiento de una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja. El maestro Dreyer rueda en Francia esta personal visión del terror: un mundo onírico y sugerente, lleno de fantasmas y sombras que cautivan más por la fuerza de las imágenes que por lo terrorífico del relato. A pesar de que actualmente es considerada una obra maestra del género, en su día fue un rotundo fracaso, por lo que el director danés tardaría doce años en volver a rodar su siguiente película, Dies Irae.
Fuente: https://www.filmaffinity.com/es/film112502.html
La película presentó varios desafíos técnicos para Dreyer, ya que era su primera película sonora y se grabó en tres idiomas. Para simplificar, decidió usar muy pocos diálogos, y gran parte de la historia se narra con títulos , como en una película muda . La película se rodó íntegramente en exteriores, y para realzar el contenido atmosférico, Dreyer optó por una técnica fotográfica desenfocada y deslavada . La banda sonora se creó en Berlín, donde se grabaron las voces de los personajes, los efectos de sonido y la banda sonora.
Tras retrasarse nueve meses su estreno, supuestamente para que las películas estadounidenses Drácula (1931) y Frankenstein (1931) se estrenaran primero, Vampyr se estrenó en Alemania, donde tuvo una recepción generalmente negativa tanto del público como de la crítica. Dreyer editó la película tras su estreno en Alemania, y en Francia recibió críticas más dispares. Durante mucho tiempo, la película se consideró un punto bajo en la carrera de Dreyer, pero la crítica moderna ha recibido críticas mucho más favorables, elogiando los desorientadores efectos visuales y la atmósfera de la película.
(Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Vampyr)
(Vampyr)
Versión Original Subtitulada en Español
Una noche, Allan Gray, un estudiante errante de ocultismo, llega a una posada cerca del pueblo de Courtempierre , Francia, y alquila una habitación. Un anciano lo despierta al entrar en la habitación cerrada y dejar un pequeño paquete rectangular sobre la mesa con la leyenda "Abrir al morir". Comienza a sentir así la presencia de vampiros. Sintiendo la necesidad de investigar, Gray toma el paquete y sale de la posada.
Año de realización: 1921
Dirección: Victor Sjöström
Producción: A. B. Svensk Filmindustri
Fotografía: Julius Jaenzon
Música: Jonathan Richman
Guion: Victor Sjöström Novela: Selma Lagerlöf
Intérpretes: Victor Sjöström, Hilda Börgström, Tore Svennberg, Astrid Holm, Lisa Lundholm, Einar Axelsson, Tor Weijden, Concordia Selander.
Comentarios: Basada en la novela de 1912 Körkarlen de la autora sueca Selma Lagerlöf (primera mujer en obtener el Premio Nobel de Literatura, en 1909), en la película, Sjöström interpreta a un borracho llamado David Holm que, en la noche de Nochevieja, se ve obligado por el conductor fantasmal de la carreta de la Muerte a reflexionar sobre sus errores pasados.
La carreta fantasma es notable por sus efectos especiales, su innovadora estructura narrativa con flashbacks dentro de flashbacks y por haber sido una gran influencia en las obras de Ingmar Bergman.[4] Se ha caracterizado por pertenecer a varios géneros: se la ha llamado cuento moral,[5][6] melodrama, película de fantasía y película de terror. Se la considera una de las primeras películas de terror debido a su atmósfera y su impacto en las entradas posteriores del género. La película generalmente se considera una de las obras centrales en la historia del cine sueco.
(Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/La_carreta_fantasma)
La Carreta fantasma
(Körkarlen)
Muda con subtítulos en Español
En la víspera de Año Nuevo, la hermana Edit del Ejército de Salvación, que está a punto de morir, tiene un último deseo: hablar con David Holm. David, un borracho, está sentado en un cementerio contándoles a sus dos compañeros de copas sobre su viejo amigo Georges, quien le contó la leyenda de que la última persona que muere cada año tiene que conducir la carreta de la Muerte y recoger las almas de todos los que mueren al año siguiente. El propio Georges murió en la víspera de Año Nuevo del año anterior. Gustafsson, un colega de Edit, encuentra a David, pero no consigue convencerlo de que vaya a verla. Cuando sus amigos intentan arrastrarlo hasta allí, se desata una pelea y David recibe un golpe en la cabeza con una botella justo antes de que el reloj marque las doce. El alma de David emerge de su cuerpo cuando aparece el fantasmal vehículo. El conductor es Georges.
(Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/La_carreta_fantasma)
https://www.classicofilm.com/2019/06/el-nombre-de-la-rosa-1986-mkv.html
Año de realización: 1986
Dirección: Jean-Jacques Annaud
Producción: Franco Cristaldi, Bernd Eichinger, Alexandre Mnouchkine, Herman Weigel.
Fotografía: Tonio Delli Colli
Música: James Horner
Guion: Andrew Birkin, Gérard Brach, Howard Franklin, Alain Godard.
Novela. Umberto Eco
Intérpretes: Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham, Michael Londsdale, Ron Perlman, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Volker Prechtel, Feodor Chaliapin, Jr., William Hickey, Michael Habeck, Urs Althaus.
Comentarios: Impresionante recreación de un cenobio benedictino a fines de la Edad Media, hibrida muy bien una historia macabra de aire detectivesco con la recreación histórica. Está basada en la estupenda novela homónima de Umberto Eco que cosechó un enorme éxico sin parangón cuando fue lanzada en 1980.
El director Jean-Jacques Annaud se pasó cuatro años preparando el proyecto, viajando a Estados Unidos y Europa buscando el elenco más apropiado. Filmó la película en 16 semanas en dos localizaciones diferentes. Uno de los lugares era la cima de una colina cercana a Roma, donde se rodaron los exteriores y algunos interiores en una réplica a tamaño real que acabaron siendo los decorados más grandes construidos en Europa desde Cleopatra (1963), y la otra fueron muchos de los interiores en el monasterio de Eberbach, en las inmediaciones de Fráncfort. En ella el director dotó de gran realismo a las imágenes a través de una infinidad de detalles y múltiples referencias, con la mayoría de los accesorios, incluidos los manuscritos iluminados, específicamente creados para la película. La cinta catapultó a la fama a Christian Slater como actor.
Fuente de la documentación:
https://es.wikipedia.org/wiki/El_nombre_de_la_rosa_(pel%C3%ADcula)
(Der Name Der Rose)
Versión Original Subtitulada en Español
A principios del siglo XIV, una abadía de la Orden de San Benito enclavada en el norte de la península itálica ha sido sacudida por un hecho inexplicable: uno de sus monjes ha muerto de una forma muy misteriosa. Para tan extraño suceso, deciden confiar en un fraile franciscano, fray Guillermo de Baskerville, bien conocido por su mente deductiva y analítica, quien llega a la abadía acompañado de su joven discípulo, el también franciscano Adso de Melk, justo antes de la celebración de una reunión entre la delegación del papa (entonces radicado en Aviñón, Francia) y los llamados «espirituales» de la recién nacida Orden franciscana, entre quienes se encuentra un viejo conocido de Guillermo, Ubertino da Casale.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/El_nombre_de_la_rosa_(pel%C3%ADcula)
https://m.ok.ru/video/1674263399018
Año de realización: 1983
Dirección: Paul Verhoeven
Producción: Rob Houwer
Fotografía: Jan de Bont
Música: Loek Dikker
Guion: Gerard Soeteman. Novela: Gerard Reve
Intérpretes: Jeroen Krabbe, Renée Soutendijk, Thom Hoffman, Hans Veerman, Dolf de Vries, Geert de Jong, Hero Muller, Caroline de Beus.
Comentarios: El trabajo más interesante del irregular Paul Verhoeven, que todavía no había caído en las tentaciones del Hollywood más comercial. Se trata de una personalísima película, con estupendas escenas oníricas, tan fascinantes y macabras como todo el resto, y donde la mezcla de erotismo con simbolismo ultracatólico impregnan una historia de lo más atrayente y alambicada, con impactantes imágenes explicitas y violentas que dieron que hablar en su día.
Nada mejor que leer lo que el propio Verhoeven dijo sobre su película, para ver lo que le influyó su propia vida personal en su realización:
"El Cuarto Hombre tiene que ver con mi visión de la religión. En mi opinión, el cristianismo no es más que una de muchas interpretaciones de la realidad, ni más ni menos. Idealmente, sería bonito creer que hay un Dios en algún lugar ahí fuera, pero me parece que toda la religión cristiana es un síntoma importante de esquizofrenia en la mitad de la población mundial: civilizaciones que luchan por racionalizar su existencia caótica. Posteriormente, el cristianismo tiende a parecerse a la magia o al ocultismo . Y me gustó esa ambigüedad, porque quería que mi público se llevara algo a casa. Quería que se preguntaran qué es realmente la religión. Recuerden que el cristianismo es una religión basada en uno de los actos de asesinato más violentos, la crucifixión . De lo contrario, la religión no habría tenido ningún tipo de impacto. Con respecto a la ironía de la violencia, gran parte de ella probablemente proviene de mis experiencias de infancia durante e inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial . De hecho, si no hubiera sido por la ocupación alemana y luego por la ocupación estadounidense, nunca habría sido cineasta".
Fuente:
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Fourth_Man_(1983_film)
(Der Vierde Man)
Versión Original Subtitulada en Español
Gerard Reve, un novelista alcohólico y bisexual , viaja de Ámsterdam a Flesinga para dar una conferencia en la sociedad literaria de la ciudad. En la estación de tren, intenta ligar sin éxito con un joven atractivo. Durante la conferencia, Gerard se da cuenta de que la tesorera de la sociedad, una cosmetóloga llamada Christine Halsslag, lo graba constantemente con una cámara en mano. Tras la conferencia, ella le informa que le han reservado una habitación en el Hotel Bellevue de la ciudad, si desea alojarse. Gerard se conmueve al darse cuenta de que es el mismo hotel que fue objeto de una extraña pesadilla que tuvo en el tren. Finalmente se alojará en casa de Christine, y más tarde descubrirá que el chico con el que intentó ligar es amante de Christine. A partir de ahí, sus pesadillas irán en aumento; pesadillas que parecen estar relacionadas con el pasado de Christine.
Fuente:
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Fourth_Man_(1983_film)
Año de realización: 1968
Director: Ingmar Bergman
Productor: Lars-Owe Carlberg
Fotografía: Sven Nykvist
Música: Lars Johan Werle
Guion: Ingmar Bergman
Intérpretes: Liv Ullmann, Max von Sydow, Gertrud Fridh, Georg Rydeberg, Erland Josephson, Nayma Wifstrand, Ulf Johansson, Gudrun Brost, Bertil Anderberg.
Comentarios: Bergman originalmente concibió gran parte de la historia como parte de un guion no producido (titulado The Cannibals), el cual abandonó para hacer la película Persona (1966). Bergman se inspiró en la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart La flauta mágica y en la novela The Golden Pot de E.T.A. Hoffmann, así como en algunas de sus propias pesadillas.
Los temas de La hora del lobo incluyen la locura (en particular la experimentada por un artista), la sexualidad y las relaciones, transmitidos mediante un estilo surrealista y con elementos del folclore. Críticos y analistas del film han encontrado también alusiones a leyendas de vampiros y hombres lobo. Algunos autores han relacionado la historia que presenta esta obra directamente con la vida de Bergman y su relación con Ullmann; Bergman dijo que estaba experimentando su propia "hora del lobo" cuando concibió el argumento.
La película se encontró inicialmente con críticas negativas en Suecia. En años posteriores, recibió críticas generalmente positivas y fue clasificada como una de las "50 Mejores películas jamás realizadas" en una encuesta de directores del año 2012 hecha por el British Film Institute.
Fuente de la información obtenida de:
https://es.wikipedia.org/wiki/La_hora_del_lobo
(Vargtimmen)
El artista Johan Borg y su mujer, Alma, viven en una isla cerca de la costa. Johan sufre pesadillas que dibuja en su cuaderno de bocetos.
Una mujer visita a Alma y le incita a leer el diario de Johan. Al hacerlo, Alma se entera de que Johan se ha reencontrado en la isla con Verónica Vogler, una mujer con la que compartió años de su vida. Informa a Alma de que están invitados a una cena en el palacio del Barón von Merken, en otra parte de la isla. En el palacio, Alma descubre que las personas que allí se encuentran tienen las mismas características que los personajes de las pesadillas de Johan que este ha dibujado en su cuaderno.
(Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/La_hora_del_lobo)