https://m.ok.ru/video/1786379963081
Año de realización: 1967
Director: John Boorman
Productor: Judd Bernard, Robert Chartoff
Fotografía: Philip H. Lathrop
Música: Johnny Mandel
Guion: Alexander Jacobs, David Newhouse, Rafe Newhouse
Novela: The Hunter, Donald E. Westlake
Intérpretes: Angie Dickinson, Lee Marvin, Keenan Wynn, John Vernon, Carroll O'Connor, LLoyd Bochnet, Michael Strong, Sharon Acker, James Sikking, Sandra Warner.
Comentarios: Lee Marvin y Angie Dickinson ya trabajaron juntos en Código del Hampa (1964), de Don Siegel, y el director británico John Boorman los vuelve a reunir en la que constituye su primera película en Norteamérica, que viene a constituir como una especie de díptico junto con aquella, ya que corre por los mismos cánones estético-narrativos impuestos por Don Siegel en su obra. Se trata de un denso y emocionante "thriller" al que John Boorman insufla un ritmo trepidante y una atmósfera sobrecogedora. Recoge, además de la tradicón más clásico del cine negro, ciertas reminiscencias narrativas propias más del cine negro europeo (bastante diferente al norteamericano en muchos aspectos) y de otras corrientes europeas como Nouvelle Vague francesa o el neorrealismo italiano.
Como indica el crítico Antonio Santamarina: "Esa especie de atmósfera onírica y deshumanizada planea, además, sobre las imágenes, y dota a éstas de una especial frialdad (jugando tanto con la paleta cromática empleada por Boorman como con la composición desdramatizada que Lee Marvin hace de su personaje) y consigue expresar de manera casi física, como en el caso de la secuencia de la pelea en el club de El Cinematógrafo, el ejercicio de la violencia".
Fuente de la documentación:
Santamarina, Antonio (1998): El cine negro en 100 películas. pp. 259-263. Alianza Editorial. Cine y Comunicación. Madrid. ISBN 84-206-3864-1.
(Point Black)
Walker (Lee Marvin) está intentando ayudar a Reese (John Vernon), un amigo suyo de los bajos fondos. Reese le dispara y, creyendo que está muerto, lo abandona en una antigua prisión y se marcha con la mujer de Walker, que es su amante. Cuando Walker se recupera de sus heridas decide vengarse, llegando al corazón mismo de una poderosa organización criminal.
Fuente de la documentación:
Luque Carreras, Antonio (2016): Diccionario de películas. El Cine Negro. T & B Editores. ISBN 978-84-945652-8-1.
https://m.ok.ru/video/7076441361064
Año de realización: 1968
Director: Peter Yates
Productor: Philip D'Antoni
Fotografía: William A. Fraker
Música: Lalo Schifrin
Guion: Allan R. Trustman, Harry Kleiner.
Novela: Mute Witness, Robert L. Fish
Intérpretes: Steve McQueen, Robert Vaughn, Jacqueline Bisset, Don Gordon, Simon Oakland, Norman Fell, Robert Duvall, Georg Stanford Brown, Felice Orlandi.
Comentarios: Considerado uno de los mejores dramas policiales de la historia, buena parte de su fama procede de la espectacular persecución automovilística que tiene lugar en el desenlace, sobre todo por un sensacional montaje que fue reconocido con todo merecimiento con el Oscar. Por otra parte, es innegable la brillante interpretación de Steve McQueen, metido en la piel de un agente tosco e íntegro, que hará todo lo necesario para descubrir la verdad, sin vailar en saltarse las leyes para eliminar, en el duelo final, a quien había creído engañarle. Asímismo, cabe señalar que el éxito de la cinta engendró, en la década siguiente, una categoría de filmes que podrían ser definidos como polícíacos urbanos y violentos.
Fuente de la documentación:
Luque Carreras, J. Antonio (2016): Diccionario de películas. El cine negro. pp. 51. T & B Editores. ISBN 978-84-945652-8-1.
En la ciudad de San Francisco, un ambicioso político encomienda al teniente Frank Bullit la protección de un individuo que va a testificar contra la mafia. A pesar de todas las medidas preventivas, no puede evitar que el testigo sea asesinado, aunque ello no impedirá que se proponga resolver un caso que resulta más complejo de lo que parecía en un principio.
Fuente:
Luque Carreras, J. Antonio (2016): Diccionario de películas. El cine negro. pp. 51. T & B Editores. ISBN 978-84-945652-8-1.
https://www.classicofilm.com/2019/05/bonnie-y-clyde-1967-hdtv.html
Año de realización: 1967
Director: Arthur Penn
Productor: Warren Beatty
Fotografía: Brunett Guffey
Música: Charles Strouse
Guion: David Newman, Robert Benton
Intérpretes: Faye Dunaway, Warren Beatty, Michael J. Pollard, Gene Hackman, Estelle Parsons, Denver Pyle, Dub Taylor, Gene Wilder.
Comentarios: Se considera una película innovadora dentro del cine negro, y más concretamente del subgénero de biografías de gánsteres. Así, en concreto se aparta algo del lenguaje cinematográfico típico del cine negro clásico e introduce ciertos parámetros de la estética de corrientes europeas que estaban en boga por entonces, como la Nouvelle Vague francesa. Arthur Penn pone todo el énfasis en que los espectadores se identifiquen, o mejor dicho, empaticen con la pareja protagonista y su trágico destino, ya que, los verdaderos malos de la función aquí son todo el entramado de corruptos que les rodean.
El film ofrece además una aguda crítica social de la época que recrea, aunque también se puede extrapolar a la convulsa América de la década de los años sesenta en que está realizada.
La actriz Estelle Parsons ganó el Oscar a la mejor actrriz secundaria en 1968 por su icónico papel como Blanche Barrow. Fue un gran éxito de taquilla y público y también de crítica, y se ha convertido en cierta manera en una película mítica no solo del cine de gánsteres, sino de toda la historia del cine, en especial por el carácter imprimido al personaje principal femenino.
(Bonnie and Clyde)
En la época de la Gran Depresión, una banda de jóvenes delincuentes, encabezados por la pareja formada por Bonnie Parker y Clyde Barrow, recorre los Estados Unidos asaltando bancos, favoreciendo a los humildes y ridiculizando a las autoridades. La película está centrada en personajes y sucesos reales acontecidos durante la época de la Gran Depresión de la década de los años 30 del siglo pasado en Estados Unidos.
https://www.classicofilm.com/2020/06/quiero-la-cabeza-de-alfredo-garcia-1974.html
Año de realización: 1974
Director: Sam Peckinpah
Productor: Martin Baum
Fotografía: Alex Phillips, Jr.
Música: Jerry Fielding
Guion: Sam Peckinpah
Intérpretes: Warren Oates, Isela Vega, Emilio Fernández, Gig Young, Robert Webber, Helmut Dantine, Kris Kristofferson, Chano Urueta, Donnie Fritts.
Comentarios: Brutal película de Sam Peckinpah, que reúne todas las características propias de su cine, realista, escéptico, sucio, patético y tremendista, por momentos de un sadismo atroz, que con toda probabilidad, todo hay que decirlo, correspondía a la cruda realidad de lo que pretendía mostrar y denunciar. No hay héroes en las películas de Peckinpah, sino más bien todo lo contrario, antihéroes, como es el caso aquí del personaje principal que interpreta Warren Oates, actor fetiche del director (también actuó para Peckinpah en Grupo Salvaje, de 1969, y Mayor Dundee, de 1965).
El director nos ofrece en esta película, como en muchas otras de su filmografía, un mundo de perdedores donde el protagonista se encuentra irremisiblemente inmerso y abocado a la desesperación, como desesperados y acabados están todos los personajes que aparecen a lo largo del relato.
Alfredo García, aunque no aparece, da la sensación de ser el verdadero protagonista de esta historia de violencia, usada ésta como liberación por los personajes que salpican el relato, una liberación de un presente infernal y del terrible destino al que se ven abocados. La cabeza del García, que deambula por la película, llena de moscas, siendo bamboleada de aquí para allá por todo el mundo, actúa como verdadero símbolo de todo ello.
Patética y desgarrada, de una violencia atroz, impregnada de un plúmbeo erotismo engrandecido por la fotografía de Alex Phillips,Jr., constituye una de los tres obras maestras principales de su autor, junto con Grupo Salvaje (1969) y Pat Garrett y Billy el niño (1973). En el momento de su estreno fue tratada con gran dureza por la crítica y tachada de sádica, grotesca e irracional. Sin embargo con el paso del tiempo ha ganado en consideración y actualmente constituye para algunos una obra maestra del cine, y una película de culto.
(Bring me the Head of Alfredo García)
Un poderoso terrateniente mexicano que todos llaman El Jefe, descubre que su joven hija soltera está embarazada y la obliga a confesar que el padre de la criatura es Alfredo García, a quien preparaba como su sucesor. Como venganza por la afrenta sufrida, ofrece una recompensa de un millón de dólares a quien lo mate y traiga al rancho la cabeza del cadáver. Dos cazarrecompensas estadounidenses realizan indagaciones e Ciudad de México para averiguar el paradero de García. Entran en un bar donde el gerente y pianista del local, un compatriota, se ofrece a ayudarlos a cambio de una parte del dinero.
La novia del pianista, camarera de motel, admite haber tenido una aventura con Alfredo García y que este estaba muerto y enterrado desde hace una semana, tras sufrir un accidente mientras conducía borracho. Deciden desenterrar el cuerpo para hacerse con la cabeza y obtener la recompensa. Sin embargo, antes de conseguir su objetivo se verán envueltos en una serie de acontecimientos de enorme violencia.
(Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Quiero_la_cabeza_de_Alfredo_Garc%C3%ADa).
https://m.ok.ru/video/6783059430055
Año de realización: 1971
Director: Don Siegelnorte
Productor: Don Siegel
Fotografía: Bruce Surtees
Música: Lalo Schifrin
Guion: Harry Julian Fink, R.M.Fink, Dean Reisner
Intérpretes: Clint Eastwood, Harry Guardino, Andy Robinson, Reni Santoni, John Vernon, John Larch, John Mitchum, Woodrow Parfrey, Josef Sommer, Albert Popwell.
Comentarios: Clint Eastwood, tras consagrarse con la llamada "Trilogía del dólar" dentro del spagheti western, compuesta por Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), despegó aquí definitivamente su imagen de duro dentro del policíaco o thriller norteamericano de los años setenta, con esta mítica cinta que acabaría convirtiéndose en todo un referente para el posterior thriller o cine policíaco de las dos décadas siguientes. A esta le siguieron cuatro secuelas más con el mismo personaje de Harry Callahan: Harry el fuerte (1973), Harry el Ejecutor (1976), Impacto Súbito (1983) y La lista negra (1988).
La estupenda caracterización que imprime Don Siegel al personaje principal, Harry Callahan, interpretado magistralmente por Clint Eastwood, provoca por momentos, a medida que avanza la cinta, que el espectador empatice sobremanera con el personaje y se identifique con sus métodos. Pero, en realidad, la intención del realizador con este film no fue ensalzar al fascismo, sino más bien denunciar al propio sistema fallido existente en esa Norteamérica podrida llena de frustraciones y contradicciones, retratar a una "justicia" al margen de la ley que, más que defender al ciudadano, se mostraba más bien inútil y acababa paradójicamente por representar los valores contrarios a los que pretendía defender; por lo cual, Siegel nos hace entender el peligro que todo ello representa para el surgimiento de conductas fascistas, muchas veces inherentes a la propia sociedad, que intenta responder así a un sistema corrupto.
Clint Eastwood, a partir de la década de los años ochenta y a medida que se fue haciendo mayor, aparcó este tipo de cine para hacerse cada vez más sentimental y abrazar, hasta cierto punto, los cánones del Hollywood más comercial. Una pena, bajo mi punto de vista, pues su trayectoria a lo largo de las tres décadas anteriores la recordaremos con nostalgia. Los mismos que lo tacharon de fascista en su día, son los mismos que a partir de Sin Perdón (1992) lo encumbraron, y reconocieron su valía como un gran realizador.
(Dirty Harry)
Versión Original Subtitulada en Español
Un asesino en serie apodado Scorpio anda suelto en San Francisco matando civiles desde las azoteas de los edificios y otras construcciones con un fusil de precisión. Chantajea a la ciudad y amenaza con matar a una persona cada día, hasta que se le pague un rescate. Su segundo intento de asesinato es evitado por un helicóptero policial, pero escapa y consigue matar al día siguiente. La policía cree entonces que es muy posible que vuelva al mismo lugar para intentar matar de nuevo. Los policías Harry Callahan y Chico González le esperan allí y evitan el asesinato de su objetivo, un sacerdote católico. Sin embargo, logra escapar nuevamente matando a un agente en el camino. Posteriormente secuestra a una adolescente, la viola, tortura y la encierra en un foso. Eleva el rescate y afirma que debe ser pagado rápidamente pues a la chica sólo le queda aire hasta las 3:00 de la siguiente mañana. Logran encontrar a la chica, pero ya está muerta. Scorpio es liberado sin cargos por haber sido detenido por medios irregulares y bajo tortura.
(Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Harry_el_Sucio).
Año de realización: 1973
Director: Don Siegel
Productor: Don Siegel
Fotografía: Michael C. Butler
Música: Lalo Schifrin
Guion: Dean Riesner, Howard Rodman
Novela: The Looters, John H. Reese
Intérpretes: Walter Matthau, Andy Robinson, Joe Don Baker, John Vernon, Sheree North, Felicia Farr, Norman Fell, Benson Fong, Woodrow Parfrey.
Comentarios: Película que sorprendentemente, a pesar de su calidad, a quedado relegada al olvido, no solo dentro de la filmografía de Don Siegel, sino dentro también del thriller de los años setenta del siglo pasado. Trepidante a más no poder de principio a final, no tiene nada que envidiar a aquellas que se consideran los mejores ejemplos del género en los años sesenta y setenta, como por ejemplo, Bullit (1968), o Código del Hampa (1964) realizada también por el mismo Siegel.
Se trata, no obstante, de una de sus mejores películas, con un ritmo y montaje vertiginosos y espléndidos de verdad, que no dejan un respiro al espectador. En su momento parece ser que dio mucho que hablar debido a su violencia, cosa esta también curiosa, pues en aquella época el cine de acción, que se conocería más tarde como thriller, ya había dado muchas obras tan exacerbadas como esta o incluso más; a saber, la ya nombrada Código del Hampa, del mismo realizador, Bonnie y Clyde (1967), A quemarropa (1967) o Harry, el sucio (1971), por poner solo cuatro ejemplos de la más paradigmáticos.
(Charley Varrick)
Versión Original Subtitulada en Español
Un ladrón, su mujer y un amigo, roban un banco sin saber que la mafia camufla allí su dinero que obtiene con sus actividades delictivas y tenerlo listo para ser blanqueado. A partir de ese momento, el infeliz criminal debe huir de los gánsteres y al mismo tiempo intenta esquivar a la policía. Asistimos así a las vicisitudes del protagonista para lograr salvar su pellejo de las manos de los matones que van tras sus huellas, extorsionando, violentando o torturando a todo aquel que pueda dar alguna razón de su paradero.
Fuente:
https://39escalones.wordpress.com/2014/02/12/la-genuina-la-mejor-la-gran-estafa-charley-varrick-don-siegel-1973/
https://m.ok.ru/video/2508153096761
Año de realización: 1971
Director: William Friedkin
Productor: Phillip D'Antoni
Fotografía: Owen Roizman
Música: Don Ellis
Guion: Ernes Tidyman Novela: Robin Moore
Intérpretes: Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey, Tony Lo Bianco, Marcel Bozzuffi, Frédéric de Pasquales, Bill Hickman, Ann Rebbot.
Comentarios: Es de resaltar el toque realista del film muy cercano al estilo documental, además de estar basada en la historia auténtica de dos policías que se enfrentaron a un caso real de tráfico de estupefacientes, al igual que la novela base de Robin Moore del mismo título. Fue rodada en los mismos escenarios donde tuvieron lugar los hechos. Nueva York es retratada de una manera decadente y decrépita, precisamente con la intención de darle a la narración ese tono fatalista y de degradación que exigía el guion y la historia. Las persecuciones en el metro y por las mugrientas calles de la ciudad y sus desoladores barrios acentúan el carácter realista que se le intenta dar a la película. Son precisamente estas persecuciones, rodadas de manera espectacular y profesional, las que han dotado a la cinta de la fama que lleva, en gran parte. Las interpretaciones de Gene Hackman y Fernando Rey son más que notables.
El papel del elegante narcotraficante francés Alain Charnier, interpretado por Fernando Rey, se volvió icónico, y parece ser que se trato de un un error de casting; el director William Friedkin buscaba a Paco Rabal, pero el director de reparto contrató a Rey, quien hablaba inglés, a pesar de que la idea original era para Rabal .
Estamos también ante otro film mítico dentro del cine norteamericano de los años '70, que influenció muchísimo a otros trabajos posteriores en muchos de los recursos formales utilizados por Friedkin en este film, artificialmente convertidos en los recursos expresivos y paradigmáticos que certificaban el supuesto carácter realista de un argumento en concreto a partir de entonces en el cine de acción setentero.
(The French Connection)
Versión Original Subtitulada en Español
Los detectives de Nueva York Jimmy Popeye Doyle y Buddy Cloudy Russo solo han sido capaces de atrapar a pequeños criminales. Además, su jefe no está muy de acuerdo con sus métodos. Un día, los dos descubren en un restaurante a Salvatore Boca, un traficante de heroína. Los dos creen que ha llegado su oportunidad y persiguen al traficante y a su banda, pero los detectives acaban perdiendo el control del caso.
Fuente de la documentación:
Luque Carreras, J. Antonio (2016): Diccionario de películas. El cine negro. T & M Editores. ISBN 978-84-945652-8-1.
https://www.classicofilm.com/2024/11/con-la-muerte-en-los-talones-1959-blu.html
Año de realización: 1959
Director: Alfred Hitchcock
Productor: Alfred Hitchcock, Herbert Coleman
Fotografía: Robert Burks
Música: Bernard Herrmann
Guion: Ernest Lehman
Intérpretes: Cary Grant, James Mason, Eve Marie Saint, Leo G. Carroll, Martin Landau, Jessie Royce Landis, Josephine Hutchinson, Adam Williams.
Comentarios: Para muchos críticos especializados Con la muerte en los talones constituye una reflexión sobre la inestabilidad de nuestra condición humana; es decir, sobre la imposibilidad de que lo absurdo no nos amenace, a causa de nuestro desconocimiento de todas las conexiones en las que se basa la realidad. Hitchcock solía transmitir esta sensación por el típico personaje de ciudadano de a pie acusado inocentemente, y que debe arreglárselas solo para salir del paso y demostrar su inocencia.
También se puede dar esta circunstancia en situaciones más realistas en nuestra vida diaria; por ejemplo, ¿quien no se ha visto envuelto sin proponérselo, en ocasiones, en algún apuro cuando ha salido de viaje, bien en el aeropuerto o en cualquier otro lugar, ante una situación desesperada, de la cual ha tenido que salir por sí solo ?.
Para muchos conocedores y expertos de la filmografía de Hitchcock, tanto nostálgicos como si no, es esta una de las mejores películas de este gran cineasta, maestro del suspense y la intriga.
Hoy en día, todo el mundo coincide en afirmar que Con la muerte en los talones es un filme de intriga de excepcional calidad, con algunas secuencias magistrales, como la relativa a la persecución que sufre el protagonista por una avioneta fumigadora en un desolado descampado rural, o bien la huida por el Monte Rushmore en su secuencia final, ambas han pasado con todo merecimiento a la historia del cine.
(North by Northwest)
Roger Thornhill, dueño de una importante agencia de publicidad en Nueva York, se va a ver convertido en un personaje inexistente, George Kaplan, puesto en circulación por la CIA para desviar la atención de un verdadero agente infiltrado dentro de una organización mafiosa. Así, Roger Thronhill se verá inmerso en una pesadilla que parece no tener fin, perseguido constantemente por los secuaces de esa organización mafiosa.
https://m.ok.ru/video/7049997388455
Año de realización: 1973
Director: John Milius
Productor: Samuel Z. Arkoff
Fotografía: Jules Brenner
Música: Barry De Vorzon
Guion: John Milius
Intérpretes: Warren Oates, Ben Johnson, Harry Dean Stanton, Geoffrey Lewis, Steve Kanaly, John P. Ryan, Richard Dreyfuss, Frank McRae.
Comentarios: Biografía del famoso criminal John Dillinger de la Gran Depresión de los años '30 en Estados Unidos, que fue acribillado a balazos a la salida de un cine, representa el debut en la pantalla grande del director John Milius (Conan el bárbaro, 1982). Milius parte de la perspectiva del agente del FBI que se obsesionó con la captura del que fue el peor atracador de bancos de los años treinta, un ser ególatra, sádico como pocos (y decir violento es quedarse corto, según su biografía real), capaz de convertir cualquiera de sus actos delictivos en verdaderos regueros de sangre gracias al arsenal armamentístico más impresionante de la época.
(Fuente de la informaación: Luque Carreras, J.Antonio (2016): Diccionario de películas. El cine negro. p. 110. T&B Editores. ISBN 978-84-945652-8-1.).
Milius huye del romanticismo de otras películas similares (por ejemplo, Bonnie y Clyde, 1967, Arthur Penn) y ofrece una obra con aire de western crepuscular, donde el paralelismo continuo entre el protagonista y su perseguidor del FBI es constante, reforzando el brioso montaje la similitud entre ambos personajes y sus procedimientos a la hora de actuar, hasta el punto de que, por momentos, el espectador empatiza con el más con el criminal que con su perseguidor.
(Fuente de la documentación: Aguilar, Carlos (2004): Guía del Cine. Editorial Cátedra. Col. Signo e Imagen. Madrid. ISBN 978-84-376-2871-4).
Versión Original Subtitulada en Español
En 1933, cinco agentes del FBI son acribillados a balazos. Melvin Purvis, un importante miembro de la agencia, jura vengarlos y se dedica a perseguir, con saña, al gángster John Dillinger y a su banda... John Dillinger y su banda se crean a partir de entonces una fama extraordinaria como atracadores de bancos y Dillinger se convierte en héroe popular, pero también el enemigo nº uno del FBI. Nos encontramos ante un relato sobre la figura de este famoso criminal de la Gran Depresión de los años '30, siendo una obra biográfica y dramática que explora sus últimos meses de vida.
https://www.classicofilm.com/2020/08/en-el-calor-de-la-noche-1967-hdtv.html
Año de realización: 1967
Director: Norman Jewison
Productor: Waalter Mirisch
Fotografía: Haskell Wexler
Música: Quincy Jones
Guion: Stirling Silliphant Novela: John Ball
Intérpretes: Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Larry Gates, Lee Grant, James Patterson, William Schalert, Beah Richards, Peter Whitney.
Comentarios: Estrenada en agosto de 1967, En el calor de la noche fue un gran éxito comercial y de crítica. Ganó cinco Óscar y fue nominada a otros dos. El éxito de la película dio lugar a dos secuelas cinematográficas protagonizadas por Poitier y a una serie de televisión homónima emitida entre 1988 y 1995.
En 2002, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.
Muchos críticos creen que este film fue de una influencia imprescindible para que otros realizadores se animaran a introducir en sus films a personajes de color cada vez con más protagonismo, circunstancia esta que desembocaría a principios de la década de los años setenta en ese subgénero conocido como "Blaxploitation", el cual tendría su pistoletazo de salida con films como Las noches rojas de Harlem de Gordon Parks y Algodón en Harlem de Ossie Davis, las dos realizadas el mismo año, 1970.
Bosley Crowther de The New York Times elogió a Jewison por crear «una película que tiene el aspecto y el sonido de la realidad y el pulso palpitante de la verdad». Además, elogió a Steiger y Poitier por «dar cada uno autoridad física y profundidad personal» a sus actuaciones. Richard Schickel, de la revista Life, escribió que «casi todo en esta película es bueno: los personajes secundarios nítidamente dibujados, la trama cuidadosa, la maravillosa corrección del escenario, el estado de ánimo y el diálogo de cada escena. Lo más admirable de todo es la forma en que todos evitan simplificaciones excesivas». John Mahoney de The Hollywood Reporter consideró que la película era «un misterio de asesinato apasionante y lleno de suspenso que produce un sentimiento de mayor importancia por su apariencia de importancia social y la ilusión de profundidad en el uso del color racial».
Documentación:
https://es.wikipedia.org/wiki/In_the_Heat_of_the_Night.
(In the Heat of the Night)
Virgil Tibbs, un detective del departamento de homicidios de Filadelfia especializado en medicina forense, viaja a Sparta, Misisipi, una pequeña población del Sur de los Estados Unidos donde quiere visitar a su madre. Cuando llega es arrestado por Sam Wood, un policía local, bajo sospecha de haber asesinado a un hombre blanco adinerado. Para comprobar su identidad el jefe de policía Bill Gillespie habla por teléfono con el superior de Tibbs en Filadelfia quien le confirma la identidad y le ofrece además que Tibbs le ayude a esclarecer el crimen. El jefe de policía, a quien dominan los prejuicios raciales, se resiste a aceptar esta colaboración. No obstante, poco a poco se va dando cuenta de la valía de Tibbs y su actitud de rechazo comienza a cambiar.
Año de realización: 1974
Director: Joseph Sargent
Productor: Edgar J. Scherick
Fotografía: Owen Roizman
Música: David Shire
Guion: Peter Stone Novela: Morton Freedgood
Intérpretes: Walter Matthau, Robert Shaw, Martin Balsam, Hector Elizondo, Earl Hindman, James Broderick, Dick O'Neill, Lee Wallace.
Comentarios: Adaptación cinematográfica de un famoso "best-seller", Pelham 1,2,3 resulta un thriller impecablemente construido y desarrollado, además de lo más emocionante, con un montaje espectacular y de lo más trepidante. Se encuentra en el número 22 del top de las 100 mejores películas de acción de todos los tiempos según GQ («Las 100 mejores películas de Acción de todos los tiempos». GQ. 7 de marzo de 2020. Archivado desde el original el 9 de julio de 2021).
Información:
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Taking_of_Pelham_123_(pel%C3%ADcula_de_1974)
Aunque su reciente y desafortunada revisión por parte de Tony Scott en Asalto al tren Pelham 1 2 3 (2009) muestra la relativa intemporalidad de su historia, no cabe duda que Pelham 1 2 3 (1974) es una película anclada en los años setenta. Tiene un pie en el policiaco y otro en el cine de catástrofes , un subgénero estrella de aquella década, pero mantiene suficiente personalidad propia, a pesar de esa mezcla o híbrido de géneros, para encumbrarla como una de las mejores películas de acción hiperbólica de aquella época.
Fuente de la información:
Navarro, Antonio José (Coord.) (2009): El Thriller USA de los 70. Donostia Kultura. Colec. Nosferatu. San Sebastián. ISBN 978-84-89668-74-4.
(The Taking of Pelham one two three)
Cuatro hombres armados, disfrazados con abrigos, gafas y bigotes postizos, y con nombres en clave (Sr. Blue, Sr. Green, Sr. Grey y Sr. Brown) suben a uno de los ferrocarriles de la línea Pelham del Metro de Nueva York, cada uno en una estación diferente (Green en la Calle 59, Grey en la Calle 51, Brown en Grand Central y finalmente Blue en la Calle 28) con destino a Lexington Avenue por la línea 6. Sin que los pasajeros sospechen nada, los cuatro hombres separan el convoy de cola y se hacen con el control del ferrocarril con 17 rehenes a bordo.
Año de realización: 1976
Director: John Carpenter
Productor: J. Stein Kaplan
Fotografía: Dogulas Knapp
Música: John Carpenter
Guion: John Carpenter
Intérpretes: Austin Stoker, Darwin Joston, Laurie Zimmer, Martin West, Tony Burton, Charles Cyphers, Nancy Kyes, Peter Bruni, John J. Fox
Comentarios: Segundo largo de John Carpenter, que aquí hizo de casi todo: director, músico (como de costumbre en él), guionista, y casi productor. En la actualidad está considerado un título de culto que ofrece guiños a las películas Río Bravo, dirigida por Howard Hawks en 1959 —en el guion—, y a La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968) dirigida por George A. Romero en 1968 —en el primer ataque durante el asedio—. Es el top 23 de las 100 mejores películas de acción de todos los tiempos por GQ.
La película sirvió al realizador neoyorquino para darse a conocer debido, con el paso del tiempo, a su notable éxito de taquilla y que definió su carrera dentro del género fantástico de serie B. Aunque sea considerado una película de culto, demuestra la capacidad que tiene el director para crear una atmósfera tensa que sería una constante en títulos posteriores, con el añadido de la banda sonora —también compuesta por Carpenter— que hace que el espectador entre fácilmente en el ambiente. Los actores son la mayoría desconocidos como Austin Stoker, el malogrado Darwin Jonston o Laurie Zimmer quien no volvió a trabajar en el cine.
Fuente de la documentación:
https://es.wikipedia.org/wiki/Asalto_a_la_comisar%C3%ADa_del_distrito_13
«Las 100 mejores películas de Acción de todos los tiempos». GQ. 7 de marzo de 2020. Archivado desde el original el 9 de julio de 2021. Consultado el 1 de julio de 2021, por https://es.wikipedia.org
(Assault on Precinct 13)
Versión Original Subtitulada en Español
La historia se sitúa en una comisaría situada en Los Ángeles. Un oficial de la patrulla de carreteras se dirige al lugar para supervisar el traslado de los últimos efectivos y materiales que quedan allí, ya que la misma está por cesar sus operaciones. A pesar de todo, un vehículo con tres prisioneros pide asistencia para pasar allí la noche ya que uno de los prisioneros está gravemente enfermo. En el furgón viaja también un criminal, apodado Napoleón Wilson, un hombre de fuerte carácter dotado de una personalidad irónica y perspicaz.
(Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Asalto_a_la_comisar%C3%ADa_del_distrito_13
https://m.ok.ru/video/751072119430
Año de realización: 1979
Director. Walter Hill
Productor: Lawrence Gordon
Fotografía: Andrew Lazslo
Música: Barry DeVorzon
Guion: Walter Hill, David Shaber Novela: Sol Yurick
Intérpretes: Michael Beck, David Harris, James Remar, Thomas Waites, Dorsey Wright, Brian Tyler, Deborah Van Valkenburg, Roger Hill.
Comentarios: Adapta la novela homónima de Sol Yorick, inspirada ésta a su vez por la Anábasis de Jenofonte. En ella, una pandilla de la ciudad de Nueva York tiene que regresar a su territorio natal después de que son inculpados por el asesinato del respetado líder de una pandilla. Fue estrenada en Estados Unidos el 9 de febrero de 1979. Después de informes de vandalismo y violencia, Paramount detuvo temporalmente su campaña de publicidad y propietarios de salas de cine fueron liberados de su obligación de exhibir la película. A pesar de su recepción inicialmente negativa, The Warriors se ha convertido en una película de culto, y ha dado lugar a múltiples medios derivados, incluyendo el videojuego del mismo título de 2005. Es el top 27 de las 100 mejores películas de acción de todos los tiempos por GQ.
Fuente de la documentación:
«Las 100 mejores películas de Acción de todos los tiempos». GQ. 7 de marzo de 2020. Archivado desde el original el 9 de julio de 2021. Consultado el 1 de julio de 2021, en https://es.wikipedia.org/wiki/The_Warriors_(pel%C3%ADcula).
The Warriors se ha convertido en una película de culto, y desde entonces algunos críticos la han reexaminado. Al 31 de agosto de 2020, la película obtuvo una calificación de aprobación del 90% en Rotten Tomatoes según 39 reseñas. El consenso crítico dice: «Tan violento como elegante, The Warriors es una pieza emocionante de cine pulp». En 2003, The New York Times colocó la película en su lista de las mil mejores películas de la historia. Entertainment Weekly la nombró la decimosexta película de culto en su lista de las cincuenta mejores películas de culto. La revista también la clasificó en el puesto catorce en la lista de las veinticinco películas más controvertidas de la historia.
Fuente:
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Warriors_(pel%C3%ADcula).
Los amos de la noche
(The Warriors)
En un futuro distópico en Nueva York. Cientos de bandas callejeras hacen una tregua para reunirse y oír lo que un líder, al que llaman Cyrus, tiene que decir. Su idea es dejar de pelear, reunir a todas las bandas y con un ejército de 60.000 hombres enfrentarse a toda la policía de la ciudad, formada por 20.000 miembros, y tomar Nueva York bajo su control. En medio de la emoción por la idea, alguien dispara contra Cyrus y lo mata. La confusión se apodera del lugar, al que además ha llegado la policía en secreto para parar la reunión, y echan la culpa a la banda The Warriors, cuyos miembros tendrán que volver al lugar al que pertenecen, Coney Island, intentando no sólo no encontrarse con la policía, sino con las distintas bandas del lugar, dado que la tregua ha terminado violentamente.
Fuente
https://m.ok.ru/video/1286238898761
Año de realización: 1956
Dirección: Alfred Hitchcock
Producción: Alfred Hitchcock
Fotografía: Robert Burks
Música: Bernard Herrmann
Guion: John Michael Hayes
Intérpretes: James Stewart, Doris Day, Christopher Olsen, Brenda de Banzie, Bernard Miles, Daniel Gélin, Mogens Wieth, Reggie Nalder.
Comentarios: Se trata del único filme del que Hitchcock realizó dos versiones, una en 1934 en Inglaterra, y la presente de 1956.
Al preguntarle el también cineasta François Truffaut las razones de este hecho, Hitchcock contestó: "Me pareció que para el público americano esta película contenía muchos elementos sentimentales que le interesaran más que los de cualquiera de mis películas. El segundo "Hombre que sabía demasiado" lo trabajé más cuidado que el primero. Podríamos decir que este último fue una creación espontánea sin examen posterior; es decir, que la primera versión, es el trabajo de un talentoso aficionado, mientras que la segunda ha sido hecha por un profesional".
Fuente de la información:
Truffaut, François (1974): El Cine según Hitchcock. Alianza Editoria. El Libro de bolsillo. Madrid. ISBN 84-206-1554-4.
En la 29.ª entrega de los premios Óscar, la película ganó el Óscar por mejor canción original con Qué será, será para Jay Livingston y Ray Evans (compositores). Ambas versiones contienen una escena importante filmada en el Royal Albert Hall. A pesar de que la escena fue re-filmada con nuevos actores, en color y Cinemascope, Hitchcock decidió volver a usar la Cantata Storm Clouds (“Cantata de nubes de tormenta”) de Arthur Benjamin como la música del concierto. Esta la larga secuencia junto con el "tercer acto" final ya en la embajada están llenas de suspense.
Fuente:
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Man_Who_Knew_Too_Much_(pel%C3%ADcula_de_1956)
Aunque no llega a tener el ritmo enloquecido de Con la muerte en los talones, y con algún que otro fallo de casting (Doris Day no era la actriz de más carisma para interpretar su papel), y la cancioncita de marras (tan infantil y empalagosa), trata de una película formidable, con un gran sentido de la tensión y el suspense, de lo mejor de Hitchcock.
(The Man who Knew Too Much)
Hank, su padre Ben y su madre Josephine "Jo" Conway McKenna se van de vacaciones a Marruecos. En el autobús conocen a Louis Bernard, un hombre un poco extraño. Luego, en Marraquech, Bernard es apuñalado mientras corría por la ciudad disfrazado de marroquí. Antes de morir, le pide a Ben que entregue unos documentos a las autoridades. En su agonía, Bernard le revela a Ben que es un espía y ha descubierto un complot para asesinar al premier inglés. Bernard le encomienda a Ben la misión de evitar el magnicidio. Este secreto pone en peligro la vida de Hank (hijo de Ben y Jo), quien es secuestrado por los autores del complot con el fin de que Ben y Jo no divulguen el complot a las autoridades inglesas.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/The_Man_Who_Knew_Too_Much_(pel%C3%ADcula_de_1956)
https://www.classicofilm.com/2019/06/conspiracion-de-silencio-1955-mkv.html
Año de realización: 1954
Dirección: John Sturges
Producción: Herman Hoffman, Dore Schary
Fotografía: William C. Mellar
Música: André Previn
Guion: Millard Kaufman
Intérpretes: Spencer Tracy, Robert Ryan, Ernest Borgnine, John Ericson, Walter Brennan, Dean Jagger, Lee Marvin, Anne Francis, Russell Collins
Comentarios: Thriller clásico en formato de western, con actuaciones portentosas de su estupendo plantel de actores.
Siguiendo a los críticos José Luis Mena y Miguel Juan Payán en su Las 100 mejores películas de suspense de la historia del cine: "John Sturges filma un excepcional drama de suspense en torno al silencio que mantiene un pueblo, cuyos habitantes son responsables de la muerte de un japonés en las violentas fechas de la Segunda Guerra Mundial. A través de un hábil suspense y con un espléndido clímax, el director pone en pie una absorbente narración que tine su mejor escena en el enfrentamiento antológico entre Spencer Tracy y Ernest Borgnine. Con paisajes y personajes de western y una estructura propia de relato criminal de suspense: en primer lugar, se trata de una investigación; en segundo lugar, de la incertidumbre por la suerte de un hombre maduro y manco que se enfrenta a duros del Oeste en una comunidad cerrada; en tercer lugar, por la denuncia que hace sobre la ultraderecha estadounidense".
Fuente de la información obtenida en:
Mena, José Luis; Payán, Miguel J. (1994): Las 100 mejores películas de suspense de la historia del cine. pp. 75-76. Cacitel, S.L. ISBN 84-87754-07-4.
(Bad Day at Black Rock)
John J. Macreedy se baja del tren en la estación de una minúscula población aislada, Black Rock, en el oeste de Estados Unidos, para entregar a un hombre de origen japonés (Komako) la medalla militar que se le concedió a su hijo muerto en combate, durante la Segunda Guerra Mundial, por su heroísmo. Los habitantes del pueblo se muestran inexplicablemente hostiles con el recién llegado, y la tensión va en aumento hasta extremos, pues aquellos esconden un secreto que guardan celosamente.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Conspiraci%C3%B3n_de_silencio
https://m.ok.ru/video/5554418879186
Año de realización: 1971
Dirección: Gordon Parks
Producción: Joel Freeman, Roger H. Lewis.
Fotografía: Urs Furrer
Música: Isaac Hayes
Guion: Ernest Tidyman, John D. F. Black Novela: Ernest Tidyman.
Intérpretes: Richard Roundtree, Moses Gunn, Charles Cioffi, Dominic Barto, Antonio Fargas, Lawrence Pressman, Ed Bernard, Gordon Parks, Joseph Léon.
Comentarios: Está considerada como uno de los hitos más representativos del género llamado blaxploitation. De hecho, se considera su pistoletazo de salida, aunque anteriormente ya hubo ciertos intentos notables, como por ejemplo En el calor de la noche (1967) de Norman Jewison.
La banda sonora, Shaft, compuesta por Isaac Hayes alcanzó como la película un gran éxito, logrando su hit "Theme from Shaft" el Óscar a la mejor canción original. La historia fue adaptada por Ernest Tidyman y John D. F. Black a partir de la novela homónima publicada por el propio Tidyman en 1971.
Para Fernando Rodríguez Tapia: "En su expresión cinematográfica, Las noches rojas de Harlem supuso la quintaesencia del fenómeno blaxploitation. Un entonado thriller que suple sus carencias presupuestarias y argumentales gracias a un estudiado diseño de producción, sus guiños a la galería, una banda sonora inolvidable, dinámicas escenas de acción y un héroe sexualmente inagotable que reflejaba claramente el sueño de muchos espectadores de color. El filme expuso el camino a seguir por muchas producciones posteriores, además de generar un par de secuelas, una abortada serie de TV y una legión de imitaciones mecánicas, en ocasiones superiores al modelo".
Fuente de la información obtenida de:
Rodríguez Tapia, Fernando (2013): "Blaxploitation. Pólvora negra en Hollywood". En, CINE-BIS Fanzine. Nº 1. pp. 11-15. Coord. por Javier G. Romero. Editado por Quatermass. Bilbao. ISSN 2340-6011.
(Shaft)
Versión Original Subtitulada en Español
El detective privado John Shaft recibe la visita de un policía que le pide información sobre un mafioso de Harlem llamado Bumpy. Poco después, será el mafioso quien solicita ayuda al detective para rescatar a su hija, que ha sido secuestrada por una banda rival. Shaft y un viejo amigo deciden investigar el asunto y se infiltran en el mundo del hampa para encontrar a la chica. Pero Shaft acaba averiguando que el gángster lo está utilizando.
(Fuente: https://www.filmaffinity.com/es/film468621.html)
https://m.ok.ru/video/7827526454003
Año de realización: 1965
Director: Martin Ritt
Productor: Paul Dehn, Guy Trosper
Fotografía: Oswald Morris
Música: Sol Kaplan
Guion: Paul Dehn, Guy Trosper. Novela: John le Carré
Intérpretes: Richard Burton, Claire Bloom, Oskar Werner, Sam Wanamaker, George Vokkovec, Rupert Davies, Cyril Cusack, Peter van Eyck, Bernard Lee.
Comentarios: Un trhiller típico de "Guerra Fría", basado en un best-seller muy famoso de John le Carré. Tuvo un inmenso éxito crítico y de taquilla cuando se estrenó, lo cual se realizó en plena euforia de la saga James Bond, con lo que seguramente tuvo mucho que ver la extraordinaria interpretación de Richard Burton ya casi al final de su carrera.
Fuente documental:
Aguilar, Carlos (2004): Guía del Cine. pp. 584. Cátedra. Col. Signo e Imagen. Madrid. ISBN 978-84-376--2871-4.
Martin Ritt opta por una visión mucho más realista a lo que solía presentar el cine de espías y de acción de la época, mostrando un film austero y de ritmo pausado, con una fotografía gélida en blanco y negro, y paisajes y escenarios umbríos, destartalados y decadentes.
Variety calificó la película como "un excelente drama de espionaje contemporáneo de la Guerra Fría que logra un impacto sólido a través del énfasis en los valores humanos, la ausencia total de los trucos usuales de los espías y una minimización perfectamente controlada". Philip K. Scheuer de Los Angeles Times escribió: "No es una imagen fácil, ciertamente no agradable, como para acomodarse, demasiado impersonal, demasiado objetiva, como para hacernos llorar, por lo que su final solo puede dejarnos tremendamente deprimidos".
Fuente de la información:
https://es.wikipedia.org/wiki/El_esp%C3%ADa_que_surgi%C3%B3_del_fr%C3%ADo_(pel%C3%ADcula)
(The Spy who Came in From the Cold)
Versión Original Subtitulada en Español
La oficina del MI6 en Berlín Occidental, bajo el mando del jefe de estación Alec Leamas, ha sufrido una disminución de su eficacia. A Leamas lo llaman a Londres poco después de la muerte de uno de sus agentes y aparentemente lo expulsan de la agencia de seguridad. En realidad, Control, el jefe de la agencia, ha organizado una transformación cuidadosamente escenificada de Leamas. Leamas, que parece estar deprimido, amargado y alcohólico, acepta un trabajo como asistente en una biblioteca local. Allí inicia una relación con su compañera de trabajo Nan Perry, una joven e idealista miembro del Partido Comunista Británico.
Fuente de la información:
https://es.wikipedia.org/wiki/El_esp%C3%ADa_que_surgi%C3%B3_del_fr%C3%ADo_(pel%C3%ADcula)